ANÁLISIS DE LA FOTOGRAFÍA E ILUMINACIÓN DE LA PELÍCULA ALIEN.
“De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus siete tripulantes. El ordenador central, MADRE, ha detectado la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano aparentemente deshabitado. La nave se dirige entonces al extraño planeta para investigar el origen de la comunicación.”
Alien fue rodada en Londres, en los estudios Shepperton y Bray. En el primer estudio disponían de 3 sets de rodaje, para la superficie del planeta, los interiores de la nave y finalmente la nave abandonada. En el estudio Bray se filmaron los modelos en miniatura del planeta y la nave abandonada. El set del interior de la Nostromo tenía tres pisos, cada uno ocupada un nivel de la nave. Además, todas las estancias estaban comunicadas por pasillos, y su altura era menor a 2 metros, esto ayudó mucho a causar la sensación constante de claustrofobia.
A lo largo de toda la película, Ridley Scott fue jugando con tres factores principales: la luz, la altura del interior de la nave y no enseñar a la criatura alienígena por completo hasta prácticamente el final. Con esto consiguió generar en el espectador el miedo y la angustia claustrofóbica de la que hablamos. El juego con el contraluz, las luces artificiales y las sombras que crean, la mezcla de luces de colores (azules, moradas, rojas, naranjas); nada de eso te lleva a una imagen relajante y natural, es un mundo artificial, cerrado y recargado.
En películas rodadas en exteriores comunes y “terrestres” los directores se valen de elementos como la lluvia, tormentas, el cielo gris y tenebroso etc. para enfatizar aquellos momentos de acción, miedo y tensión. Esta película al ser en un interior y en el Espacio recurre a otro tipo de elementos muy diferentes: Las interferencias de la cámara de vídeo para crear tensión al ver la nave desconocida, las luces de emergencia giratorias, incluso el fuego; Intercala planos desde muy cerca y planos desde lejos, para ponernos en la piel del personaje y al mismo tiempo nos despega de él enseñándonos más allá de lo que él ve, nos refleja la atmósfera completa y nos sumerge totalmente en ella.
Más allá del juego continuo de luces, Ridley se vale de largas secuencias donde la cámara va en continuo movimiento siguiendo a los protagonistas. Luces intermitentes, escapes de humo y desorientación ligados a una acción constante, y un seguimiento desde cerca de los tripulantes cruzando los estrechos pasillos de la nave angustiados y confusos.
En la secuencia final de la autodestrucción de la nave se añade a todo esto la cuenta atrás, el desgaste físico y emocional de Ripley, rápidos movimientos de cámara, además de la música como elemento clave. Los vapores y el humo que expulsa la nave, la alarma sonando continuamente y el juego del escondite con la criatura alienígena te hacen estar en un constante estado de alerta y de tensión.
La iluminación de la película va disminuyendo poco a poco de manera progresiva hasta los últimos 20 minutos donde la oscuridad engloba la escena. Y cuando por fin acaba la tensión, nos vemos sumidos en la profundidad del espacio, sabiendo que a Ripley le queda un largo camino hasta llegar a casa.
¿DE DÓNDE SALE ESTE “CONCEPTO FOTOGRÁFICO”?
Ahora nos preguntamos si estos recursos utilizados por Scott a lo largo de toda la película los ha sacado de su previa experiencia publicitaria o simplemente son una invención propia. Para abordar esta cuestión nos hemos ido a algunos de sus anteriores trabajos.
Ridley comenzó su carrera en el mundo de la publicidad, allí perfeccionó sus habilidades cinematográficas dirigiendo mini-películas creativas para comerciales de televisión, el trabajo de Scott es conocido por su estilo visual altamente concentrado y atmosférico. Su primer cortometraje fue en 1965 Boy and Bicycle, donde ya observamos cómo le gusta trabajar con la cámara en movimiento y con planos un tanto excéntricos (como el plano donde la cámara está situada a la altura del suelo y se ve al protagonista desde un contrapicado) . Más adelante se destaca un anuncio de pan Hovis (1973) que captó la atención del público y fue votado como el comercial favorito del Reino Unido en 2006. En la década de los 70 dirigió numerosas mini-películas para los anuncios de Chanel nº5, que también hicieron recalcar el innegable talento del director. En sus anuncios vemos cómo le gusta jugar con las luces, las sombras, el reflejo del agua brillando en la piel de la mujer… elementos y técnicas que comienzan a caracterizar su trabajo.
Ridley Scott ha dirigido más de 2000 anuncios de televisión, previamente a Alien dirigió numerosas campañas publicitarias. Opino que fue su visión tan especial como director y su talento innato lo que le llevó a probar e innovar con muchas técnicas desconocidas hasta la fecha.